Steimmetz, Mark

• “Sabemos que debajo de la imagen revelada, hay otra mas fiel a la realidad, y debajo de esta hay otra mas, y otra debajo de esta ultima, hasta la verdadera imagen de esa realidad absoluta, misterioso que nadie alguna vez verá” Michelangelo Antonioni
• Nace en 1961 en Athens (Georgia) Estados Unidos
• Trabaja un tipo de documentalismo poético, con un tipo de foto muy cotidiano.
• Recibe una beca Guggenheim para realizar un proyecto personal.
• Fue profesor de fotografía en las Universidades de Harvard y Yale.
• Su gran trabajo es su trilogía sobre el sur de los Estados Unidos.
• Obra temprana
  • Su primer recuerdo con una cámara es con 7 años, y la primera foto que hizo fue una de su casa, aprovechando el coche para apoyar la cámara y con una buena composición.
  • Trabaja en analógico y blanco y negro, saliendo a la calle.
  • Tiene una gran influencia de los grandes maestros, Robert Franck, Garry Winogrand, Lee Friedlander. El tiene un comentario sobre la cultura fotográfica. El dice : “Tener culura fotográfica es muy positivo, porque cuando sales a fotografiar, tienes a los grandes maestros como angeles de la guarda, que te protegen y te inspiran”
  • Cuando se usa el trabajo de un gran fotógrafo para tu propio trabajo, hay que intentar que siempre haya una mirada propia y un estilo también propio.
• The players
  • Fotos de partidos de béisbol, jugados por niños.
  • Fotos sencillas realizadas en diferentes momentos del juego
  • Tardó 4 años en terminar el trabajo.
  • Fotografia tanto a los jugadores como a los espectadores, intentando dar una visión global del partido.
• Summer camp (1986-1997)
  • Fotos de niños en campamentos de verano.
  • Trabajó durante 9 años en este trabajo, y lo que llama la atención es la coherencia y el estilo que se ve en todas las fotos pese al paso de tantos años entre las primeras y las ultimas.
  • Hace algunos retratos en el proyecto, pero la mayor parte son los niños en su vida diaria.
  • Para hacer este trabajo estuve trabajando en el campamento, a veces como limpiador, o mantenimiento, pero en otras ocasiones como fotógrafo, lo que le facilitó mucho el acercamiento a los niños.
  • El libro termina con imágenes del autobús que se lleva de vuelta a los niños, y la triste despedida de los mismos.
• Trilogia del Sur de Estados Unidos
  • South East
    • Trabajo realizado en Athens (Atlanta) que es su territorio particular.
    • Se convierte en un Alex Soth ya que fotografía el aislamiento en la sociedad americana.
    • Todo el trabajo está hecho con trípode y con la velocidad mas rápida que permite la cámara, esto lo hace así porque dice que de esta forma capta expresiones en los retratados que de otra forma seria difícil.
    • La mayor parte de las personas retratadas, son mujeres que trabajan en bares de carretera, hechas en el proplio bar,o en su casa particular.
  • South Central
    • Fue el primer libro de la trilogía.
    • Hacia 4 o 5 tomas de cada imagen que quería obtener.
    • En este proyecto no se detiene tanto tiempo en el lugar, ni tiene tanto contacto con los personajes.
    • Son fotos de gente común en lugares comunes.
  • Greater Atlanta
    • Tercera parte de la trilogía
    • Fotos en la carretera, hay que tener en cuenta que Atlanta es la capital del automóvil.
    • El dice que el trabajar en analógico supone que el control del proceso es total desde la toma, al revelado del negativo, la copia en el laboratio, etc. Luego hace los contactos y trabaja sobre los mismos.
    • Sobre el tema del instante decisivo, cometa que el instante decisivo no se produce en la toma, sino en la selección y edición final de las fotos realizados.
    • Hace algunos paisajes, porque comenta que para el es un relax dentro del trabajo general.
    • Es muy crítico con el trabajo conceptual, considera que los que hacen ese tipo de fotos, se miran al ombligo, no ven el mundo.
  • ATL Terminal (2012-2917)
    • Trabajo realizado en el aeropuerto de Atlanta.
    • Este aeropuerto es el mas transitado de los Estados Unidos.
    • Es una fotografía muy honesta.
  • Plaza Clichy
    • Trabajo realizado en Paris en dicha plaza.
  • Carnival
    • Fotografias del carnaval

A Mark Steinmetz se le ha descrito a menudo como un fotógrafo que fotografía lo “ordinario”, pero cuando se observan sus fotografías, uno siente que esta caracterización no se acerca a lo que ha logrado. Los sujetos de sus fotografías pueden ser ordinarios o tan ordinarios como cualquier persona o cosa.

De hecho, al considerar a las personas en sus imágenes, uno podría imaginar que están esperando encontrarse con un amigo, están a punto de irse a casa para almorzar o simplemente están perdidos en sus pensamientos, y los paisajes pueden parecer comunes o anodinos. Pero cuando Mark vuelve su atención hacia ellos, parece que le pertenecen y, a través de su lente, se liberan de su ordinariedad. Ahora se describen en lo que parecen mil tonos de gris, existiendo en un halo resplandeciente de sensualidad y gracia.

Mirar las fotografías de Mark es una repetición de lo ordinario de la mejor manera posible. El espectador está inmerso en una narrativa casi mítica de su creación, exudando una belleza discreta anclada en lo muy familiar.

En algunos artículos la atmósfera que Mark Steinmetz crea con las imágenes ha sido comparada con escenas de cine independiente, con su código específico y el lenguaje. Según el propio Steinmetz, con su trabajo trata de plantear preguntas y no precipitarse en las soluciones, dejando cada imagen abierta a la interpretación.

Steinmetz (Manhattan 1961) recibió la beca Guggenheim en 1994-95 y la George Gund Fundation en 2006, y ha sido profesor en las prestigiosas universidades de Harvard y Yale, entre otras. A pesar de la revolución del color en los años setenta, continúa abrazando el blanco y negro para expresar su propia visión contemporánea.

Siempre le ha atraído especialmente el Sur de Estados Unidos, por su toque exótico, el clima diferente y su dramática historia con la pérdida de la guerra civil. “Eso les ha imprimido carácter”. En su periplo por estas tierras, retratando persomas y paisajes, este artista de culto ha conseguido un retrato dramático y a la vez poético de la América profunda, muy admirado por el público. En sus fotos hay algo de composición pero no demasiado “Las fotos, si se piensan mucho, están perdiendo su lado emocional”.

Entre los libros que ha publicado encontramos la trilogía formada por SOUTH CENTRAL, SOUTH EAST y GREATER ATLANTA. Este gran proyecto fotográfico fué publicado en 2007 en una edición de lujo limitada. Combinando retratos y paisajes, esta trilogía del sur es su testimonio sobre la civilización americana contemporánea.

Su siguiente libro fue SUMMERTIME, una colección de fotografías de niños y adolescentes realizados en los años 80 y principios de los 90.

Estas son algunas de las fotografías de Steinmetz

FotoFilmic: Como fotógrafo filmando en película, especialmente en película en blanco y negro, desde mucho antes de que la tecnología digital se volviera tan omnipresente, ¿han cambiado sus hábitos y procesos de trabajo desde que comenzó y, en caso afirmativo, cómo?

Mark Steinmetz: He estado trabajando prácticamente de la misma manera con la misma película, productos químicos y cámaras desde que comencé a mediados de los 80. En aquellos días, una impresión de 16 x 20 se consideraba grande. Con la llegada de los procesadores de color, a los fotógrafos en color les resultó fácil realizar impresiones considerablemente más grandes. Esto ejerce presión sobre los fotógrafos en blanco y negro para que impriman también más grandes, aunque es una tarea mucho más complicada y laboriosa hacer impresiones grandes en gelatina de plata de archivo en blanco y negro utilizando bandejas que alimentar una impresión a través de un procesador que sale plano y seco. Así que diría que mi carga de trabajo ha aumentado: ya no hago impresiones de 11 x 14 y simplemente lo dejo así.

Además, debido al entorno digital actual, tengo que proporcionar escaneos de mis fotografías, por lo que esta es una carga adicional de tipo secretaria que los fotógrafos de antaño no tenían que hacer.

F / F: En tu opinión, ¿cuáles son los principales pros y contras de fotografiar en película en 2013?

EM:Prefiero la forma en que la película describe la luz. Con las impresiones digitales, siempre siento que la luz está mediada, que estoy separado de ella, mirando alguna versión tensa de ella. También siento con digital que cada objeto en el marco parece ligeramente distinto y separado de todos los demás elementos en el marco, mientras que las impresiones plateadas tienen más armonía interna: se sienten menos nerviosos. Es una diferencia sutil que siento y noto, pero que otros no necesariamente parecen notar o importar. Es similar a las discusiones que la gente tenía cuando salieron los cds. Neil Young comparó el sonido de los cds con mirar el mundo a través de una pantalla de ventana, pero finalmente la mayoría de la gente está absolutamente bien con la música digitalizada. Tengo una fuerte respuesta emocional a la luz e insisto en que mis impresiones lo transmitan, así que todavía confío en la película y el papel plateado.  Hay una retrospectiva de Robert Adams actualmente en circulación y uno solo necesita mirar sus cielos para ver a qué me refiero. Con la impresión de películas y cuartos oscuros, hay más participación por parte del artista, y los resultados parecen más íntimos y delicadamente elaborados. La lentitud, el esfuerzo extra, parece ayudar a la capacidad del artista para concentrarse y ejecutar.

Los contras son … bueno … todos estamos muy ocupados estos días. Lo digital es más rápido y más fácil. La expectativa ahora es que los resultados se puedan ver instantáneamente mientras que con la película hay que esperar. Además, debido a la tecnología digital, se espera un aspecto más pulido: esas impresiones se ven perfectamente sin aberraciones químicas y quedan perfectamente planas. Un poco aburrido, pero ha cambiado las expectativas de los coleccionistas.

F / F: ¿Cómo ves el futuro de la fotografía cinematográfica? ¿De qué manera puede seguir siendo un medio artístico relevante?

MS: Depende de los profesionales ser modernos y relevantes. Siempre es la combinación de mente y espíritu que el artista ofrece a los demás; la técnica es secundaria a eso. Como he dicho, para mí hay una cualidad especial para filmar. En mi opinión, la fotografía en blanco y negro puede hacer referencia y comentar los primeros 150 años de la historia de la fotografía con más éxito que el color o la digital, por lo que de alguna manera sigues siendo parte de un linaje, una tradición, que quizás la haga más relevante, no menos. La mayoría de los fotógrafos hacerse notar hoy parecen tener poco interés en los grandes fotógrafos de la 19 ª y 20 ª siglos. Dar un paso al frente y sumar al legado de Atget o Evans no parece estar en la agenda de muchos fotógrafos.

F / F: ¿También fotografías digitalmente? Si es así, ¿cuál es su razón de ser?

MS: Acabo de recibir mi primer iPhone y he hecho algunas fotos con él que aún no han viajado desde mi teléfono. Si tuviera una cuenta de Facebook, serían buenos para eso.

F / F: F / F’13 se dedica a promover a las nuevas generaciones de fotógrafos vinculados al cine actual: ¿qué consejo o recomendación esencial les daría?

MS: La sabiduría habitual: la paciencia es una virtud; el mundo está lleno de seducciones; Sé sincero contigo mismo. Lea a los griegos y la gran literatura y observe grandes pinturas. Abastecerse de suministros si hay espacio en su refrigerador. Relájate más. Come sano.

F / F: Vives en Athens, Georgia, no muy lejos de Atlanta: ¿cómo le va a la industria de la fotografía cinematográfica allí? ¿Siguen presentes los laboratorios fotográficos y las tiendas de fotografía analógica en Atenas o Atlanta?

MS: En Atlanta, un gran laboratorio de revelado de películas en color cerró recientemente sin mucha advertencia. No creo que quede mucho allí, tal vez una tienda de cámaras usadas o dos. No ha habido nada en Atenas durante mucho tiempo.

F / F: Su último libro de fotografía «Summertime» salió no hace mucho tiempo en 2012, y su exposición individual en la Galería Stephen Wirtz en San Francisco acaba de concluir el pasado mes de abril: cualquier otro logro, proyecto o noticia reciente le gusta compartir?

MS: Acabo de recibir una copia anticipada de “Paris in my time” (Nazraeli Press) por lo que estará disponible muy pronto. Tengo otro libro en el que estoy trabajando, que trata sobre mi casa y la calle en la que vivo y que será publicado por Little Brown Mushroom de Alec Soth.

F / F: Si algo fuera posible, ¿cuál sería tu próximo proyecto definitivo en cuanto a fotografía (o si no)?

MS: La vida es buena. Tengo una residencia en París este otoño. Creo que es importante encontrar satisfacción con tu vida y usar los materiales a la mano en lugar de participar en deseos interminables, pero tal vez sería divertido hacer algún tipo de proyecto tipo Gauguin en algún paraíso tropical (y tal vez usar el color). . He preguntado acerca de fotografiar en el aeropuerto de Atlanta, pero la seguridad y la burocracia en estos días lo dificultan. A veces sospecho que me estoy cansando de Estados Unidos y que sería bueno viajar más. Me gustaría pasar más tiempo fotografiando en Francia e Italia, pero también estoy abierto al resto del mundo.

“Me digo a mí mismo que soy un ser ilimitado hasta que me doy cuenta de que mi zapato izquierdo está desatado y me siento en la acera para atender su forma de espagueti deforme de circunstancia intrascendente. ¿Qué sentido tienen estos zapatos?

Estoy tan emocionalmente fuera de mis profundidades tan a menudo. Culpo a la condición por la que paso de forma externa a la razón, pero también externa a mi propia capacidad para navegar su atracción sobre mi cuerpo y mi psique. En los momentos sombríos o más bien sobrios, reflexiono sobre lo que califica para las maniobras obtusas y difíciles del amor y trato de ponerlos en cuarentena junto con el montón desechable de pérdida en la esquina de la habitación del sótano donde ambos parecen competir por cantidades iguales de amor. mi atención, uno nunca lo sostuvo sobre el otro el tiempo suficiente como para despojar completamente su presencia como innecesaria para la posición de ambos.Son buitres crueles encerrados en una batalla aérea, ambos destinados a desplomarse y elevarse entre la tierra y el cielo; lo que pasa por su valentía no es más que metáforas intempestivas de largos días extendidos sobre pasos elevados y casas de piedra tapiadas en los campos colapsables y desconcertantes de el sur de Estados Unidos. No puedo proteger este amor el tiempo suficiente para mantenerlo a salvo del romance de sus peleas persecuciones de paracaidismo.

Me digo a mí mismo que soy un ser ilimitado hasta que me doy cuenta de que mi zapato izquierdo está desatado y me siento en el bordillo para atender su forma de espagueti deforme de circunstancia intrascendente. ¿Qué sentido tienen estos zapatos? Siento como si mi memoria quisiera vivir en una película de Gus Van Sant, pero sin la triste inevitabilidad de una conclusión mortal. Quiero esa especie de rasgo oblicuo que se prolongue durante días como un pasaje en el desierto sin resolución, sin nada fuera de la metáfora de las camionetas y el graffiti de “Donna, te amo (d) you”. ¿Por qué nunca hay consideraciones entre paréntesis en la tierra de los garabatos gratuitos de pintura en aerosol? Se afirma casi categóricamente que las consideraciones en gramática y puntuación existen en un ámbito fuera de la necesidad de emocionar con Chlorofluoro carbon – estas comunicaciones son un meme o emoji del pasado de los 90.Me temo que no estoy hurgando en los huesos de nada en una forma demasiado particular.

Arrastradas entre sus callosos dedos de los pies y el vestido de algodón azul, briznas de hierba verde y larga se erizan y se abren paso a través de su largo cabello castaño rojizo y los recodos de sus jóvenes codos. El día es húmedo y la hierba cálida. La niña se levantará y se irá en poco tiempo, el tejido de su vestido de algodón, su cuerpo y los pasos de hierba pisados ​​por sus pies serán todo lo que queda de su tiempo tumbado al sol, un momento de relajación que se desvanece bajo el azul profundo. cielos en el momento adecuado del día antes de que los mosquitos puedan invadir su descanso. Faulkner escribió amorosamente sobre el sur y, sin embargo, aquí mezclado con el olor a gasolina y humo de cigarrillo,No se le ocurre mucho a ella como a él a lo largo de los vastos tramos. Ella camina a casa pasando la piscina en desuso, su tobogán arraigado en el suelo fértil envolviendo sus escalones de plástico blanco agrietados que ascienden a ninguna parte en particular y sin el función para elevar por encima del agua verde y musgosa debajo, ahora llena con hojas y vid y la ocasional botella de cola informal.

Lo que convierte a Mark Steinmetz en un corredor de apuestas increíble es su capacidad para casi tejer una narrativa a partir de varios elementos dispares sin ceder nunca al compromiso formal de la autoría en el sentido literal para crear una historia unificada y cohesiva. Evita las convenciones forzadas de tramas, narrativas y narraciones sugestivas mientras construye su arco (s) de historia en diferentes direcciones, todo bajo el disfraz de un hermoso sentimiento o emoción. Deja que los personajes, las imágenes y, oportunamente, el libro permanezcan ágiles y en un estado de posibilidad abierta. A menudo hay un guiño a lo sentimental, una palabra por la que nos sentimos tan desapasionados en estos días, no muy diferente a lo romántico.

En «Past K-Ville» para Stanley / Barker, Steinmetz nos desafía a mirar con un humanismo valiente sus imágenes monocromáticas, guiadas y sin esculpir para narrativas que no se han marcado. Si no le dijeron, es posible que ni siquiera sepa cuándo o dónde tienen lugar nuestras historias. Ciertamente, hay algo totalmente estadounidense en la raíz de este libro y del trabajo de Steinmetz en general, pero no podemos decir de qué parte de la creciente opacidad del interior estadounidense proviene de este libro, y esto es poderoso. Faulkner sabría dónde han tenido lugar estos momentos, llegando siempre ágilmente desde la tumba para dar su aprobación de apoyo. El sur americano con todo su esplendor de narrativas disociativas, economías, comunidades y ecologías se convierte, con la cámara de Steinmetz, en una serie de localizaciones semi-neutrales en las que la juventud,los días de verano y una larga lista de apasionantes romances se desarrollan entre parejas, escritos en la pared y en largas praderas de cómodas andanzas. Todas estas narrativas se introducen con un cuidadoso respeto por el potencial del enredo humano, algo que normalmente no soy propenso a examinar, pero para el Sr. Steinmetz, haré esta excepción para volver a sentirme civilizado.Past K-Ville es otro libro de una serie de ofertas de Stanley / Barker completamente inesperadas y elegantes.

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